Infos

Biographie

Née en 1994 sur les territoires non-cédés des peuples Mi'kmaq, soit en Gaspésie (QC), l’artiste canadienne Laurence Belzile détient un baccalauréat en arts visuels de l’Université Concordia (2016), avec une majeure en peinture et dessin, ainsi qu’une maîtrise en arts visuels de l'Université Laval (2019). Depuis 2016, Laurence Belzile présente ses œuvres dans le cadre d’expositions collectives et individuelles à travers le Canada, notamment à la Vernon Public Art Gallery (C.-B.), la Richmond Art Gallery (C.-B.), à l’Alliance Française Vancouver (C.-B.), au Centre national d’exposition (QC), la Galerie Montcalm (QC) et le Centre d’art de Kamouraska (QC). Son travail a été soutenu entre autres par le Conseil des arts du Canada. Ses œuvres font partie de la collection publique de la Ville de Boucherville ainsi que de la Collection Méduse de la Ville de Québec.

Démarche artistique

Ma pratique s’articule autour de la peinture et du dessin abstraits dans une perspective féministe.

L’abstraction est pour moi un espace poétique, en dehors de la productivité constante imposée par le contexte contemporain. Je construis des images où les sensations et émotions prennent forme à travers des relations entre les couleurs, le rythme et les gestes. Mes œuvres se caractérisent par des formes organiques, des lignes courbes et des contrastes chromatiques qui délimitent des zones distinctes au sein de la surface picturale. Les compositions, majoritairement verticales, sont pensées comme des mises en tension : élévation, chute, suspension, renfermement et ouverture y coexistent.

Ma pratique s’appuie sur la conviction que les émotions et la subjectivité constituent des modes de connaissance à part entière, historiquement sous-valorisés dans les récits dominants de l’art, particulièrement lorsqu’ils sont associés aux pratiques des femmes. Mon travail vise à déplacer ces dimensions du registre de l’intime vers celui de l’espace public, en les considérant comme des expériences partagées et politiquement signifiantes.

La mélancolie traverse mon travail comme une intensité contenue. Elle est présente dans la retenue du geste, par des marques interrompues ou compressées, et par des associations de couleurs où la lumière demeure présente malgré la densité. L’œuvre devient un espace où l’émotion est mise en œuvre.

L’échelle joue un rôle déterminant dans l’expérience des œuvres. Les formats plus intimes favorisent une relation attentive et introspective, tandis que les œuvres de grand format engagent le corps et le déplacement du regard. Dans les deux cas, je cherche à créer des situations où le spectateur est invité à ralentir, à circuler entre les détails et l’ensemble, et à habiter temporairement un espace sensible. Le partage de sensations, plus que la transmission d’un message précis, constitue le cœur de ma démarche.

Mon travail s’inscrit dans un dialogue avec les pratiques de femmes artistes du passé dans une perspective féministe fondée sur la circulation des savoirs, des formes et des imaginaires. Je remets en question l’idée de l’artiste comme figure singulière et isolée, au profit d’une conception de la création comme espace partagé. En ce sens, mon travail participe à une réflexion critique sur l’histoire de l’art, ses hiérarchies et ses exclusions, tout en réaffirmant la capacité de l’abstraction à générer des expériences émotionnelles complexes, actuelles et collectives.